Zwei Freundinnen quatschen in einem Café über Liebe, Partnerschaft, Kinder und heiße Typen. Sie fantasieren ein magisches Zupfinstrument, das bei der Partnersuche und Familiengründung helfen könnte. Leider ist das Vorhaben in der Realität nicht ganz so einfach umzusetzen und die Erfüllung ihrer Wünsche erfordert Kreativität und Offenheit für alternative Optionen. Mit großer Authentizität, Witz und charmanter Bildgestaltung lädt uns dieser Film ein, uns von der Konversation der beiden sehr unterschiedlichen und doch so ähnlichen Charaktere zu mehr Aufgeschlossenheit und Toleranz inspirieren zu lassen.

Franka Sachse

Völlig unerwartet wird Quangs Schwester Mai schwanger und für ihn ist klar: Dieser neue Lebensabschnitt wird die Familie für immer verändern. Er greift zur Kamera. Sieben Jahre lang arbeitet er an dem Film, sammelt Fotos, Tagebücher und Telefongespräche. In DIY-Scrapbook-Ästhetik verbindet er die Gegenwart mit Erinnerungen und Bildern aus der Vergangenheit. Wir reisen mit Quang zurück in seine Jugend in der nordvietnamesischen Provinz Lào Cai, nahe der chinesischen Grenze. Seine neun Jahre ältere Schwester Mai bringt ihm coole Musik und angesagte Mode näher – während Mutter Cuc von einer traditionellen Familie träumt. Ein Traum, der in weite Ferne rückt: Ihr Sohn ist schwul, ihre Tochter lebt mit Schizophrenie. Als Erwachsener zieht Quang nach Hanoi, wo er sich endlich frei fühlen kann. Die Distanz zur Familie wächst. Jahre später führt Baby Guava Quang wieder näher an seine Familie. Das Kind bringt sie zusammen, legt aber auch alte Spannungen offen. Über unterschiedliche Vorstellungen von einem „normalen“ Leben wurde lange geschwiegen. Mit brutaler Ehrlichkeit und intimen, teils unangenehmen Einblicken schaut Quang auf seine Familie und die unausgesprochenen Schmerzen und Ressentiments, die zwischen ihnen stehen. Und er zeigt ebenso die Hoffnungen und Bemühungen, einander doch noch zu verstehen und zu akzeptieren, um Baby Guava ein liebevolles Umfeld zu ermöglichen.

Seggen Mikael

Der kleine Küchentisch, um den sich Regisseurin Kamila Serwicka, ihre beiden Schwestern und Mutter Agnieszka quetschen, hat etwas Sinnbildliches: Der eigene Raum ist im Zusammenleben begrenzt und geschrumpft, Ausdehnung wäre bitter nötig. Zugleich wird in der Beengtheit jedoch auch eine Nähe erfahrbar, eine tragende und schützende Solidarität. In „Blossoming“ porträtiert Serwicka ihre Familie, die über Jahre von der Alkoholsucht des Vaters und Ehemanns geprägt wurde. Die Anspannung, wenn er den Raum betritt, ist spürbar – man geht auf Distanz im Versuch, sich vor verbaler Gewalt und emotionaler Manipulation abzuschirmen. Ein beklemmender Status quo, in dem der Film jedoch nicht verharrt: Mit Weggang des Süchtigen setzt ein Prozess der Veränderung ein, der empfindliche Fragen aufwirft. Wie konnte man es derart lang in dieser Konstellation aushalten? Warum hat sich Agnieszka nie getrennt? Wie geht es nun weiter? Über den Verlauf von fünf Jahren weiten die Serwicka-Frauen ihren Blick, finden neue Perspektiven und Standpunkte – und neue Verbindung miteinander, auch im religiösen Ritual. „Blossoming“ ist das Zeugnis eines herausfordernden, lange überfälligen Aus- und Aufbruchs. Eine Erinnerung daran, dass nichts bleiben muss, wie es ist.

Carolin Weidner

Während sie ihre junge Tochter betreut, bereitet die Filmemacherin einen Wackelpudding zu. Sie sinniert über die Geburt ihres Kindes und den übersteigerten Perfektionismus, der sie in ihrer künstlerischen Praxis begleitet. Die schlichte Süßspeise entwickelt sich zu einem Pudding-Zoetrop. Als sie die Akribie loslässt und eine entspannte Verspieltheit in ihren Arbeitsprozess einlädt, gelingt ihr ein vielschichtiges filmisches Gericht. Dessen Zutaten: Zucker, Silikon, Kunststofffilament. Kateryna Voznytsia schafft es nicht nur, auf clevere Weise eine Brücke zwischen zeitgenössischen Arbeitsweisen und historischen Techniken aus den Anfängen des Kinos zu schlagen und dabei feinfühlig die Rolle als Mutter, Frau und Filmemacherin zu hinterfragen, sondern gleichzeitig auch die liebevolle Verbindung zu ihrer Tochter zu pflegen.

Franka Sachse

„Du scheinst einfach nicht weiterzukommen, oder?“ fragt ihre Mutter. Zwanzig Jahre nach einem unvollendeten Film folgt die Filmemacherin noch immer ihrem kreativen Impuls und setzt sich mit dem auseinander, was sie geprägt hat: mit ihren Wurzeln, familiären Erwartungen und dem Schweigen. Ein intimer Essayfilm über Identität und Zugehörigkeit, angesiedelt in einer kleinen slowakischen Gemeinde auf dem Land, in der ihre Kreativität und ihre Sexualität mit strengen Erwartungen an Weiblichkeit kollidieren. Mithilfe persönlicher Archivaufnahmen, Heimvideos und Animationen versucht sie behutsam zu entwirren, was sie zurückhält. Kann sie vorankommen, ohne die Wurzeln zu beschädigen, die auch zu ihr gehören?

Anca Păunescu

Zu Beginn scheint alles seltsam idyllisch: Der Hügel voller Mohnblumen, wo der Großvater sich um seine Herde kümmert, das Feld violetter Blumen am Ende der von Olivenbäumen gesäumten Straße, wo die Großmutter ihr Lieblingsschaf hätschelt. Ihr Leben und das ihrer Familie besteht aus Alltagsritualen von außergewöhnlicher Ruhe, obwohl das afro-palästinensische Beduinenpaar in einem illegal aufgestellten Zelt lebt, auf brachliegendem Grund, wo das Land auf die Randbezirke von Amman trifft. Ihr Sohn, seine Frau und ihre Kinder in einem zweiten Zelt daneben. Man kümmert sich um die Tiere, organisiert den beengten Lebensraum, schickt die Kinder zur Schule. Aber die Außenwelt schleicht sich immer wieder ein: die rassistischen Kommentare, die das Mädchen in ihrer Klasse wegen ihrer Hautfarbe hört, die Erinnerungen der Großmutter an die Flucht während der Nakba-Massaker, die einen Gleichklang mit den Fernsehberichten aus dem Westjordanland und Gaza bilden, die unvermeidliche Ankunft der Bulldozer. Geleitet von den Vertreibungs-Erfahrungen ihrer eigenen Familie folgt Asmahan Bkerat dem Alltag der Familie Najar mit unendlicher Geduld und Empathie und schafft dabei einen Raum ruhiger Intimität, der das bald folgende Elend umso herzzerreißender macht. Bkerats erster Dokumentarfilm verbindet den palästinensischen Kampf mit Fragen von Rassismus, Gentrifizierung und Generationskonflikten, in einem Werk von außerordentlicher Präzision und Selbstsicherheit.

James Lattimer

Um die Erinnerung an die größte Gewalttätigkeit zu verarbeiten, die innerhalb einer Vater-Sohn-Beziehung passieren kann, kommt das Film-Ich zunächst zu logischen Schlüssen: Die Chinesen erfanden einst das Schießpulver, mit dem sich als Feuerwerk ein böser Geist vertreiben lässt. Das Feuerwerk ist ein Vorläufer der filmischen Animation, ergo Animation hilft gleichermaßen. Ein intensiver Strich und die materielle Struktur der animierten Zeichnungen, das wiederholte Durchspielen von Sequenzen sowie das eindrucksvolle Changieren zwischen bildlicher und klanglicher Abstraktion und Figuration, um einen Ausdruck für das Unaussprechliche zu finden, vermitteln eindringlich die emotionale Zerrüttung. In dem langwierigen Prozess, die Einzelbilder für diese Animation zu zeichnen, entsteht jedoch zwischen dem Erzähler und seinem bösen Geist auch eine ungewollte Nähe. Aus einer persönlichen Traumageschichte heraus entwickelt Juan Camilo González eine unfassbar durchdachte Versuchsanordnung, die im Scheitern umso heftiger auf das Grauen zurückwirft.

André Eckardt

Die erste Stimme gehört dem Regisseur, der sich fragt, was er wohl für eine Art Film über die Mittelschicht machen würde. Was wir sehen entspricht mehr oder weniger seinen Beschreibungen; Split-Screen-Kombinationen von Archivmaterial und aktuellen Aufnahmen, die unauffällige Schnipsel aus dem Alltag zeigen: Familientreffen, der benachbarte Park. Außerdem spricht er darüber, den Schwerpunkt seines Films zu verschieben, und auch das geschieht, als mehr Stimmen einsetzen und verschiedene Formate zwischen den beiden Bildausschnitten pendeln: der Mann, der banale Alltagsgegenstände auflistet; die Frau, die durch eine unsichtbare Grenze von San José abgeschnitten ist; der venezolanische Immigrant, der vom Bus als großem Gleichmacher spricht; die Enkelin, die eine riesige Sammlung Lexika erbt. Ihr Hintergrund unterscheidet sich, aber sie alle beziehen sich explizit oder implizit auf gesellschaftliche Klassen, bei jedem eine andere Kategorie zu einer anderen Zeit; so viele Bedeutungen, so viele Objekte und Bezüge, ein Begriff mit zahllosen Ausprägungen. Wenn man den Termitenhügel öffnet, sieht man, dass er von allen gebaut wurde.

James Lattimer

Das Erbe: die großväterliche Vogeleisammlung. 4.500 anmutige, fragile Kunstwerke der Natur, getupft, langgezogen, pastellfarben… In der Ordnung eines engen Geheges aus gleichmäßigen Boxen lagern die bewahrten Kokons geraubter, verhinderter Nachkommenschaft von Raub- und Friedvögeln, aus Norwegen bis Südafrika. Mit dem Erbe kommt die Geschichte des Sammlers: Josef Schreiber aus Vorarlberg, Mitteleuropa – eine bürgerliche, weiße, männliche Biographie des 20. Jahrhunderts, in dem die Ordnung verlorenging, verrutschte, neu gedacht werden musste, sowohl im großen Ganzen wie auch im kleinen Privaten. Claudia Larchers außerordentlicher Essayfilm erzählt unaufgeregt von Unruhe. Über persönliche Fotos, Ansichten von Sammlungsstücken und kleine KI-generierte Miniaturen legen sich elektronische Klänge, die scheinbar mit den Algorithmen der Schalen-Muster kommunizieren, sowie ein gesprochener Gedankengang, der mit bestechender Klarheit fast 100 Jahre Wandel abläuft, sortiert und zusammenhält.

André Eckardt