Als die DDR in ihren letzten Atemzügen steckt und die deutsch-deutsche Wiedervereinigung kurz bevorsteht, müssen die „DDR-Kinder von Namibia“ in kürzester Zeit nach Afrika zurückkehren. Der Film beleuchtet die Gefühlslagen der Kinder und Jugendlichen unmittelbar vor der Abreise aus der DDR und nach der Ankunft in Windhoek. In Gesprächen wird ihre Zerrissenheit spürbar: Sie freuen sich auf ein mögliches Wiedersehen mit ihrer Familie, lassen jedoch Freunde und ihr Zuhause der vergangenen Jahre zurück. Kann die eigene Heimat fremd werden?

Philip Zengel

Kreischen, Lachen, das Dröhnen von Musik und Fahrgeschäften im Geschwindigkeitsrausch – die Kakophonie der heißen Sommernacht auf dem Rummel erstirbt nach kurzem elektrischem Knistern. In die Stille hinein krächzt ein Spielzeugradio aus einer Mülltonne. Es ergreift die Chance, in der kurzen Zeit des Blackouts von empfangenen Gefühlswellen zu erzählen, von heimlichen Lieben und Träumen, denen Personal, Figuren und eines einzelnen Besuchers im Schatten des üblichen aufgekratzten Unterhaltungstreibens nachhängen. Wie in ihren Vorgängerfilmen macht Maria Dakszewicz erneut mit bemerkenswertem Feingefühl und genauer Beobachtung einen Ort im emotionalen Hangover-Bereich des Spektakels aus. Ein Ort, an dem keine Ablenkung existiert und aufrichtige Lebensträume wachsen oder sterben dürfen. Vieles dort bleibt im Vagen, Unbedeutsames wird bedeutsam. Präzise angerissen, collagiert und mit Auslassungen, Überblendungen und Verzerrungen in Bildern, Klängen und Worten zeichnet die Regisseurin einen Moment der Pause, bevor der Strom zurück und die Maßlosigkeit wieder in voller Fahrt ist.

André Eckardt

 

Nach Jahren auf hoher See kehrt der Pirat heim zu seiner Mama. Die ihn immer noch bedingungslos liebt, wie am Tag seiner Geburt. Und zwar allen Irritationen zum Trotz – schließlich hat er sich Jahre nicht gemeldet, trägt nun einen Nasenring und ist voll tätowiert. Und Geheimnisse hat er bei seiner Rückkehr auch noch in diesem schweren Koffer, den er bluthustend nach Hause trägt. Alexandre Siqueira erzählt mit pastellig-sanfter Farbpalette und distinktiv animierten Charakteren davon, was es heißt, wenn eine Mutter gezwungen ist, dem eigenen, erwachsenen Kind beim Sterben zuzuschauen. Darüber hinaus geht es Siqueira aber auch ganz generell um die Vertrautheit von Müttern und Kindern, die manchmal herausgefordert wird: Die gewöhnungsbedürftigen Piratentattoos können auch andere Lebensentscheidungen versinnbildlichen, die einer Mutter erstmal fremd sind. Manchmal beinhaltet Akzeptanz eben auch das Loslassen.

Marie Ketzscher

Am Anfang war das Licht, dann das Eidotter … Beschwingt stürzt sich die gelbe, lebenshungrige Form in die Welt, streckt sich, springt hin und her. Der Raum wird größer und gewinnt an Tiefe, das Spielfeld dehnt sich aus. Aus neugierigem Sich-Treibenlassen zu lateinamerikanischen Rhythmen wird zunehmend rastloses Getriebensein, begleitet von hyperventilierenden Breakbeats. Der gelbe Ball rast nur noch als schmaler, hastiger Pinselstrich durch den schwarzen Kosmos, rauscht an turbulenten Farben und Formen vorbei – und verliert sich. Mit reiner Abstraktion setzt „Tutaro“ eine kleine Persönlichkeit in die Welt und verfolgt ihren Lebensweg ebenso zärtlich wie kompromisslos.

André Eckardt

Manche Kindheitswunden heilen nie. Als sich die Grundschüler Tsubasa und Kyotaro anfreunden, hört das triste Außenseiterdasein endlich auf: Sie verstehen einander, sie sehen einander. Tsubasa, der eigentlich lieber Origamis faltet, als Fußballstarträumen hinterherzurennen, und von der Mama viel Leistungsdruck, aber kaum Zuneigung bekommt, und Kyotaro, der bei seiner alten, mittellosen Oma aufwächst und nichts lieber mag, als Dinosaurier zu zeichnen. Gemeinsam stromern sie durch die Gegend, spielen, sind unzertrennlich. Doch Kyotaros impulsiv-nerdige Art und die bösen Zungen anderer Kinder säen Misstrauen in Tsubasa – ist der beste Freund vielleicht ein Alien? Ein kleines Missverständnis und ein größerer Eklat führen zum Bruch. Kohei Kadowakis Debütfilm nimmt sich viel Zeit für beide Kinderperspektiven: Oft weilt die Kamera in fassungslosen, entsetzten oder weinenden Gesichtern, die auch mal zu Aliens morphen – hier nutzt der Regisseur Rotoskopie, um die Emotionen besonders greifbar zu machen. Die empathische Emotionalität ist auch das Distinktionsmerkmal der Narration, die das Prinzip „Coming of Age“ ad absurdum zu führen scheint: In gesellschaftliche Männlichkeitskonventionen verstrickt, sind die beiden Protagonisten dazu verdammt, als ewig Verletzte erwachsen zu werden, vielleicht sogar nie komplett im Hier und Jetzt anzukommen.

Marie Ketzscher