Über 33.000 Leichen ließ das Franco-Regime zwischen 1959 und 1981 aus mehr als 500 Massengräbern in ganz Spanien ins Valle de los Caídos überführen – ein monumentales Mausoleum, das zur Verherrlichung des faschistischen Sieges errichtet wurde. Jahrzehnte später suchen Angehörige noch immer nach den sterblichen Überresten ihrer Liebsten. Drei Familien folgen den Spuren der Verschwundenen und stoßen dabei auf bürokratische, rechtliche und gesellschaftliche Hindernisse, die bis heute bestehen. Ausgehend von den eigenen Recherchen des Regisseurs Manuel Correa als Teil von Forensic Architecture – einer Forschungsagentur, die staatliche und unternehmerische Gewalt untersucht – rekonstruiert der Film in minutiöser Detailarbeit, was das Regime unsichtbar machen wollte. Digitale Karten, Bürgerarchive, offizielle Dokumente und neue forensische Technologien decken auf, was über Jahrzehnte verborgen blieb. So entsteht eine Topografie des Terrors, die das Ausmaß der systematischen Gewalt visualisiert und die unter der faschistischen Monumentalität begrabene Geschichte wieder ans Licht bringt.

Seggen Mikael

Zwei Freundinnen quatschen in einem Café über Liebe, Partnerschaft, Kinder und heiße Typen. Sie fantasieren ein magisches Zupfinstrument, das bei der Partnersuche und Familiengründung helfen könnte. Leider ist das Vorhaben in der Realität nicht ganz so einfach umzusetzen und die Erfüllung ihrer Wünsche erfordert Kreativität und Offenheit für alternative Optionen. Mit großer Authentizität, Witz und charmanter Bildgestaltung lädt uns dieser Film ein, uns von der Konversation der beiden sehr unterschiedlichen und doch so ähnlichen Charaktere zu mehr Aufgeschlossenheit und Toleranz inspirieren zu lassen.

Franka Sachse

Aus dem dichten Rauch spricht es. Erst einstimmig, dann zweistimmig. Ich habe dich schon gekannt, sagt es, als du noch keine Form hattest, ich sehe dich. Die Stimme ist tief, sie bereut ihren größten Fehler: Das Erschaffen der Zivilisation, sich vermehrend, sich überschlagend, all-einnehmend. Irgendwo zwischen Lamento und (Alb)traum bewegt sich Christopher Galinos‘ atmosphärisch aufgeladener, experimenteller Film. Wir wissen nicht, mit wem wir hier eigentlich mitfühlen sollen: Ist es die holzskulpturartige 3D-Kreatur mit den langen Händen, die eine kleine Kugel hält? Oder sind es die Männchen, die auf dem flirrenden Textilgewebe entstehen, am Ende die ganze Fläche bedeckend? Sind wir denn diese Männchen? Mit diesen Fragen und den Überlegungen zu Kreationsmythen konfrontiert uns Galinos und entlässt uns nachdenklich.

Marie Ketzscher

Während sie ihre junge Tochter betreut, bereitet die Filmemacherin einen Wackelpudding zu. Sie sinniert über die Geburt ihres Kindes und den übersteigerten Perfektionismus, der sie in ihrer künstlerischen Praxis begleitet. Die schlichte Süßspeise entwickelt sich zu einem Pudding-Zoetrop. Als sie die Akribie loslässt und eine entspannte Verspieltheit in ihren Arbeitsprozess einlädt, gelingt ihr ein vielschichtiges filmisches Gericht. Dessen Zutaten: Zucker, Silikon, Kunststofffilament. Kateryna Voznytsia schafft es nicht nur, auf clevere Weise eine Brücke zwischen zeitgenössischen Arbeitsweisen und historischen Techniken aus den Anfängen des Kinos zu schlagen und dabei feinfühlig die Rolle als Mutter, Frau und Filmemacherin zu hinterfragen, sondern gleichzeitig auch die liebevolle Verbindung zu ihrer Tochter zu pflegen.

Franka Sachse

Um die Erinnerung an die größte Gewalttätigkeit zu verarbeiten, die innerhalb einer Vater-Sohn-Beziehung passieren kann, kommt das Film-Ich zunächst zu logischen Schlüssen: Die Chinesen erfanden einst das Schießpulver, mit dem sich als Feuerwerk ein böser Geist vertreiben lässt. Das Feuerwerk ist ein Vorläufer der filmischen Animation, ergo Animation hilft gleichermaßen. Ein intensiver Strich und die materielle Struktur der animierten Zeichnungen, das wiederholte Durchspielen von Sequenzen sowie das eindrucksvolle Changieren zwischen bildlicher und klanglicher Abstraktion und Figuration, um einen Ausdruck für das Unaussprechliche zu finden, vermitteln eindringlich die emotionale Zerrüttung. In dem langwierigen Prozess, die Einzelbilder für diese Animation zu zeichnen, entsteht jedoch zwischen dem Erzähler und seinem bösen Geist auch eine ungewollte Nähe. Aus einer persönlichen Traumageschichte heraus entwickelt Juan Camilo González eine unfassbar durchdachte Versuchsanordnung, die im Scheitern umso heftiger auf das Grauen zurückwirft.

André Eckardt

Die Rollen an der École nationale d’administration pénitentiaire, kurz ÉNAP, sind klar verteilt: hier die angehenden Justizvollzugsbeamten, da die Lehrerschaft. In seinem Film behält Guillaume Massart diese Trennung auch ästhetisch bei. Zumeist aus der Perspektive der Schülerschaft eingefangen, gewährt „Detention“ einen Einblick in ein Curriculum, das es in sich hat: Wie verschafft man sich unter den Gefangenen Respekt und Gehör? Welche psychischen Belastungen gehen mit der Tätigkeit einher? Können sich die angehenden Wärter*innen in potenziellen Konfliktsituationen tatsächlich rechtliche Vorteile verschaffen? Über die zweistündige Spieldauer von „Detention“ setzt ein bemerkenswerter Effekt ein: Verstimmen die kritischen Stimmen der Schüler*innen nach und nach, wird aus der Perspektive der Zuschauenden das System Gefängnis immer fragwürdiger. Kann auch eine „saubere“ Ausbildung zum Machtmissbrauch anleiten, wenn dieser nicht explizit thematisiert und problematisiert wird? Wie formt eine Uniform? Massart, der für „Detention“ insgesamt ein Jahr an der Schule verbracht und das Training selbst durchlaufen hat, findet eine ganz eigene Tonalität für eine Ambivalenz, die irritiert und beklemmt.

Carolin Weidner

Das Erbe: die großväterliche Vogeleisammlung. 4.500 anmutige, fragile Kunstwerke der Natur, getupft, langgezogen, pastellfarben… In der Ordnung eines engen Geheges aus gleichmäßigen Boxen lagern die bewahrten Kokons geraubter, verhinderter Nachkommenschaft von Raub- und Friedvögeln, aus Norwegen bis Südafrika. Mit dem Erbe kommt die Geschichte des Sammlers: Josef Schreiber aus Vorarlberg, Mitteleuropa – eine bürgerliche, weiße, männliche Biographie des 20. Jahrhunderts, in dem die Ordnung verlorenging, verrutschte, neu gedacht werden musste, sowohl im großen Ganzen wie auch im kleinen Privaten. Claudia Larchers außerordentlicher Essayfilm erzählt unaufgeregt von Unruhe. Über persönliche Fotos, Ansichten von Sammlungsstücken und kleine KI-generierte Miniaturen legen sich elektronische Klänge, die scheinbar mit den Algorithmen der Schalen-Muster kommunizieren, sowie ein gesprochener Gedankengang, der mit bestechender Klarheit fast 100 Jahre Wandel abläuft, sortiert und zusammenhält.

André Eckardt

Keren Kraizer verließ Israel mit 20, um in Belgien Tanz zu studieren, aber auch, um ihrem Heimatland und seinen Spaltungen zu entkommen. Ein Besuch bei ihrer Familie Anfang 2023 löst den unerwarteten Wunsch aus, die Verbindung mit ihrer Herkunft wieder aufzubauen – ein ausgesprochen ambivalenter Prozess, den sie in einem Videotagebuch festhalten will. Die entstehenden Wörter und Bilder, mit einem wunderbar intuitiven Gespür für Struktur und Montage aus dem Alltag gezogen, pendeln mit einer dem aktuellen Zustand der Nation geschuldeten Unvermeidlichkeit zwischen dem Persönlichen und dem Politischen: ein Gespräch mit ihrer Mutter über die fehlende Vision eines dauerhaften Friedens; Aufnahmen eines Mannes, der angeschrien wird, weil er während der Proteste gegen Netanjahus Angriffe auf die Rechtsstaatlichkeit eine palästinensische Flagge schwenkt; das herzzerreißende englischsprachige Gedicht, das ihr eine Freundin schickt, die sie auf einer Reise ins Westjordanland kennengelernt hat und die nicht gefilmt werden will; das nächtliche Gespräch mit ihrem neuen Freund bei einem Spaziergang durch Jerusalem über all die Spannungen, die unter der Oberfläche brodeln – ein Gespräch, das sich als düster prophetisch erweisen soll. Denn Kraizers Tagebuch wird schnell von Ereignissen jenseits ihrer Kontrolle eingeholt, und die Ambivalenz wird Angst und Unglauben weichen. Was nun? Wie soll man das Leiden der Menschen eindämmen? „Wir sind diejenigen, die barfuß auf den Fetzen der Hoffnung laufen. Wir haben den Krieg nicht geschaffen, aber wir haben aus seinen Ruinen Gedichte geformt.“

James Lattimer

Ein Besuch im Ort der Kindheit, wo sich scheinbar Liebe und Hoffnung schon aus dem Staub gemacht und Bergparade, Saufparty, hilflose Jugendrebellion mit Techno am Lagerfeuer ritualisiert haben. Fidel Sievering und Bennet Staack vermitteln mit zielsicherer Beobachtungs- und Gestaltungsgabe das Abgegriffene und den Geruch einer rheinischen Ortschaft, die einst vom Bergbau gelebt hat und in die der erfolgreiche Strukturwandel nicht einziehen möchte. Hier ist die Zeit vor Langem stehen geblieben. Die Menschen bewegen sich ungelenk als digitale Marionetten mit fehlerhafter Motorik durch die Enge der Straßenzüge und Hausflure. Einziger Lichtblick sind alte, abgelegte Pläne für die Zukunft des Ortes, die als Mutprobe aus einem geschlossenen Stollen zutage gefördert werden. „Glaube Sitte Heimat“ spricht mit teils schrägen Szenen und Klängen, gefundenen Tonzeugnissen und kompromissloser digitaler Gestaltung ehrlich über Wandteller und unterdrückten Schmerz, aber auch über ein unerschütterliches Festhalten am „Neuen Traum“.

André Eckardt

Der Elefant ist tot! Aber wer oder was hat ihn auf dem Gewissen? Als Mischung aus einem ökologischen Whodunit und leichtfüßigem Dokumentarfilm inszeniert, treffen in Meera Krishnamurthys Animationsfilm zwei verschiedene Perspektiven aufeinander: Da ist die weise Stimme des Matti-Baums, der wie die indigene Soliga-Community eigene Traditionen und Rituale für den Umgang mit der Natur gefunden hat. Und dann ist da eine wissenschaftlich-diskursive Stimme, die in Form eines Schmetterlings Erkenntnisse überbringt. Auch in der Präsentation ihrer Überlegungen zum Tathergang bringen sie ihre eigenen Ansätze mit: Der Matti-Baum singt seine Weisheiten, die mittels Zeichnung und Time-Lapse visualisiert werden; der Schmetterling lässt neueste wissenschaftliche Erkenntnisse lieber als Stop-Motion-Sequenz im Labor sichtbar werden. Langsam nähern sich die beiden einander an – denn nur gemeinsam lässt sich dem Mörder das Handwerk legen.

Marie Ketzscher

Dichte Rauchschwaden steigen am Horizont auf. Öl sprudelt aus dem Boden. Die Kiemen eines toten Fisches sind schwarz. Eine sonore Stimme trägt ein Gedicht über Blut, Wut und die ölvergiftete Landschaft des Nigerdeltas vor. In den Refrain stimmt eine Menschenmenge ein. Schriftsteller und Aktivist Nnimmo Bassey protestiert seit Jahrzehnten gegen die Ölförderung im Süden Nigerias und ihre Folgen für Mensch, Natur und Landwirtschaft. Besonders betroffen sind die Ogoni, eine ethnische Minderheit in der Region, deren Lebensgrundlage existenziell bedroht ist. In den 1990er-Jahren organisierten sie eine starke politische Bewegung, die durch die Militärregierung gewaltsam unterdrückt wurde – auch im Interesse westlicher Ölkonzerne. Wie lässt sich unter diesen Umständen politischer Widerstand leisten? „Hope Is a Word“ porträtiert einen Mann, der an die Kraft der poetischen Sprache glaubt. Nnimmo Bassey gelingt es mit seinen Workshops, eine neue Generation an rhetorisch und literarisch begabten Aktivist*innen zu mobilisieren. Wenn sie lesen, rappen oder rezitieren, setzt der Film ihre Worte demonstrativ ins Bild. Hier wird Poesie zum politischen Werkzeug. Denn aus einem Vers kann ein Ruf werden. Einer, dem andere folgen.

 

Jan-Philipp Kohlmann

Aus einem liebevollen Kuscheln, Umarmen, Streicheln entwickelt sich unbehagliche Nähe und schließlich Panik. Die Veränderung kommt schleichend. Ein zartes Kitzeln markiert die Annäherung an eine Grenze, die bald überschritten wird. Das Spiel zwischen den beiden flauschigen Charakteren wandelt sich unaufhaltsam in ein ernstes Gerangel. Das Design der Puppen, die präzise Animation, das Licht und die Kameraarbeit machen Nähe in all ihren Facetten – von angenehm bis widerlich – spürbar. Ein Film, der unter die Haut geht.

Franka Sachse